En el vestíbulo de un edificio gubernamental de DC, arte y políticas de identidad

No sorprende encontrar políticas de identidad en las galerías de Washington. Los museos, las organizaciones regionales sin fines de lucro y otros centros artísticos se han apresurado a brindar un mayor acceso a artistas de grupos subrepresentados, especialmente instituciones que alguna vez pasaron por alto por completo la raza o la clase. Los curadores inteligentes ponen ese esfuerzo al frente y al centro hoy. Organizaciones de todo el país están dando el mismo paso. DC no es diferente.

Pero una cosa sorprende acerca de las políticas de identidad en el arte de Washington: las exposiciones más estridentes se pueden encontrar visitando las instituciones locales más establecidas.

Un ejemplo es “Re/envisioning”, un espectáculo grupal que está al tanto del pulso. Comisariada por Nicole Dowd y Allison Nance, la muestra reúne obras de seis artistas vinculados por una preocupación por la identidad, no simplemente afirmando la suya sino desafiando los sistemas rígidos que podrían definirlos como otros. No se puede encontrar un hilo conductor histórico o medio común, pero una corriente subterránea de descontento radical impregna este programa de mentalidad académica. Está a la vista, por extraño que parezca, en el vestíbulo de un edificio gubernamental de DC.

El trabajo de Fargo Nissim Tbakhi es el más directamente político. En un vídeo, “Palestina es un futurismo” (2022), un artista canta frases que aparecen en la pantalla encima de una instalación textil. “La sal marina es un internacionalismo”, “El hambre es un neocolonialismo”, “Cactus es un marxismo” y otras proposiciones que suenan urgentes pero místicas se cantan casi como himnos.

Las piezas de Tbakhi sugieren más filosofía que arte. Estas frases son variaciones surrealistas de un recurso retórico conocido como kritik. En debate o filosofía, una kritik es una táctica para desafiar la mentalidad de una creencia basada en la teoría crítica sobre las estructuras sociales. Una crítica marxista, neocolonialista o transfeminista funciona como una herramienta para alterar los parámetros normales de un debate, para empujar a un oponente a afirmar o rechazar estas teorías críticas. El trabajo de Tbakhi (tanto el vídeo como una instalación de sus poemas) está entretejido con esta didáctica.

Parte del trabajo en “Re/envisioning” se apoya tanto en la práctica social que el oficio expuesto puede parecer una ocurrencia lejana. “¿Qué es algo que siempre desearías que preguntara y supiera sobre ti?” (2023) de Adele Yiseol Kenworthy presenta ramos de flores junto con instantáneas familiares cuyas figuras han sido recortadas. La sensación de anhelo familiar en estos collages es palpable. Sin embargo, la artista también ha enmarcado sus arreglos florales como un acto de protesta política o acción colectiva. Ésa es una noción completamente diferente, que hace que los collages de “Re/envisioning” parezcan arbitrarios.

Los proyectos de Antonio McAfee y Stephanie J. Williams brillan en “Re/envisioning”. La serie “Through the Layers” de McAfee (2017-2019) convierte retratos fotográficos de la era de la Reconstrucción de figuras negras tomados de colecciones de archivos reunidas por el autor WEB Du Bois y el periodista Thomas Calloway en collages estereoscópicos en 3D. El efecto visual intencionalmente imperfecto del rojo y el cian hace que sea difícil ver realmente estos retratos, incluso con gafas 3D, una poderosa expresión de un tema de invisibilidad que recorre los retratos negros. Las inquietantes animaciones stop-motion de Williams también revelan ambigüedad. “Hospes” (2022) encuentra una colección de marionetas inadaptadas y llenas de gusanos atrapadas dentro de un círculo de puertas que siguen cerrándose para ellos. Un espectador podría reconocer el título como la raíz latina de hospitalidad, pero no es necesaria esa información para entender el vídeo. Su trabajo hace que el espectador sienta profundamente el horror corporal sofocante de ser mal percibido.

Todo el texto mural en “Re/envisioning” impide que las obras hablen por sí mismas, incluso cuando su significado es claro o, más importante aún, cuando las posibilidades son muchas. “Sonic Fracture” (2023) es una pieza de una serie de performances en curso de Stephanie Mercedes en la que la artista funde casquillos de balas y armas de fuego en una fundición y transforma el metal en simples campanas. Es un proyecto de espadas a arados, resonante y accesible, que da como resultado esculturas minimalistas pequeñas e imperfectas. Su trabajo apunta a Richard Serra y Lynda Benglis, artistas que revolucionaron las esculturas fundidas arrojando y vertiendo materiales fundidos; más literalmente, estas campanas hablan del número de víctimas de la violencia armada en el Distrito.

Sin embargo, un cartel que describe el proyecto de Mercedes lo enmarca en términos de teoría crítica, no de material o proceso. Incluye una cita de la teórica política y social Nancy J. Hirschmann: “La hostilidad frecuentemente expresada contra… los individuos queer es una función del miedo a la indecidibilidad del cuerpo [queer]”.

Esa es una cita pesada para colgar al lado de cualquier obra de arte, y no porque el proyecto de Mercedes no resista el escrutinio. Más bien, es difícil decir quiénes imaginan los curadores que serán los espectadores de “Re/envisioning”, o cómo creen que se supone que el público debe navegar en la espesa sopa de la teoría crítica. ¿Este ejercicio académico es realmente para personas que pasan por aquí de camino a la Agencia de Servicios para Niños y Familias de DC?

El edificio de oficinas también alberga la Comisión de Artes y Humanidades de DC, por lo que no es que el espectáculo esté fuera de lugar. Pero la afiliación al gobierno es sospechosa para una exposición que insta a la liberación del capitalismo. Eso podría ser un gesto subversivo por parte de los curadores, pero también podría ser una postura cínica por parte de la agencia: retirarse de la crítica a la relativa seguridad de la kritik en una ciudad abrumadoramente progresista.

La comisión no es la única institución artística local que adopta la praxis como declaración de misión. Considere el Proyecto Washington para las Artes, una venerada organización local sin fines de lucro de artes visuales desde 1975, que prácticamente ha abandonado la exhibición de obras de arte, a pesar de haber luchado larga y duramente para abrir un espacio permanente en el corredor de la calle U en 2015. Actualmente, la WPA organiza su sexto “artista-organizador residente” desde 2021: Ama BE, que estudia las formas de alimentación y medicinas de los inmigrantes africanos locales. Esta residencia no es accesible al público ni necesariamente está destinada a producir artesanía visual. Lo cual está bien: hay espacio en Washington para una incubadora progresista experimental. Pero este cambio tectónico en la programación contrasta con la subasta benéfica anual de la organización, una gala en la que la WPA pide a artistas locales que donen las ganancias de las ventas de pinturas, fotografías y esculturas, el tipo de trabajo que la galería apenas apoya.

“Re/imaginar” apunta a un fenómeno más amplio, un aplanamiento que ocurre cuando los curadores adoptan un marco dialéctico por encima de otros factores involucrados con la creación o la visión del arte. Elevar el discurso puede parecer necesario en este momento. Puede parecer el único movimiento relevante o incluso posible. (O financiable.) Pero el arte ofrece muchas otras formas de negociar el mundo que también importan. Los artistas de esta muestra realizaron obras de arte puntiagudas; el programa los reconsidera como viñetas políticas.

Comisión de Artes y Humanidades de DC, 200 I St. SE. reenvisioningexhibit.com.

Fechas: hasta el 18 de agosto.

Precios: Gratis.