Tadaaki Kuwayama (1932)

El minimalista japonés Tadaaki Kuwayama, conocido por sus obras monocromáticas metálicas que evocan al mismo tiempo el ruido de la industria y la calma duradera de la eternidad, ha fallecido. Kuwayama tenía noventa y un años. La noticia de su muerte fue anunciada por Alison Bradley Projects, que representa al artista. Como muchos japoneses de su generación, Kuwayama se mudó a Estados Unidos a finales de los años cincuenta. Al llegar al ocaso del expresionismo abstracto y a los albores del pop y el minimalismo, y en medio de una cohorte de amigos y contemporáneos como Dan Flavin, Sam Francis, Donald Judd, Kenzо̄ Okada y Frank Stella, rápidamente se labró una reputación. con un cuerpo de trabajo que, como escribió Ronny Cohen en una edición de Artforum de 1989, “llama la atención sobre cuestiones de construcción, sobre la repetición de acciones, dando como resultado formas cargadas de misterio”.

Tadaaki Kuwayama nació en la ciudad industrial de Nagoya, Japón, en 1932. Tras graduarse en la Universidad Nacional de Arte de Tokio, donde estudió nihonga, o pintura tradicional japonesa, Kuwayama se mudó en 1958 a Nueva York con su esposa, la artista Rakuko. Naito. Inicialmente se inscribió en la Art Students League, pero, según le dijo a Kosuke Fujitaka del New York Art Beat en 2012, “ese no era un lugar muy interesante para estar; allí iban los aficionados y las esposas burguesas, y los profesores eran todos conservadores. Así que casi no fui a la escuela. Simplemente me registraría y me iría a casa”. En cambio, Kuwayama se involucró mucho en la escena artística de la ciudad y comenzó una serie de exploraciones que lo llevaron al descubrimiento de su propio estilo único. Esto se materializa de manera más famosa en el lienzo monocromático, dividido en segmentos por tiras metálicas estrechas, a veces entrecruzadas. En su Sin título: Rojo y Azul de 1961, que expuso ese año en la Green Gallery de Richard Bellamy en Nueva York, envolvió un lienzo rectangular con un tipo de papel típicamente utilizado en nihonga, del que intentaba desesperadamente alejarse. Una fina banda de hoja de plata metálica divide en dos la mitad superior roja y la mitad inferior azul de la obra. "Nunca antes había usado pintura al óleo, así que no sabía qué técnicas implicadas", le explicó a Fujitaka. “Y, sin embargo, no podía soportar el tipo de pintura que ya conocía”.

Al año siguiente, Kuwayama comenzó a investigar la tridimensionalidad y construyó su primera obra independiente sujeta al suelo a partir de un panel de cuatro por ocho pies con incrustaciones de papel japonés y pintado de negro. En 1965, había abandonado en gran medida el papel y pasó a la pintura en aerosol, lo que le permitió crear superficies planas sin pinceladas y sin evidencia de su creación. En ese momento, la mayoría de sus obras eran cuadradas y la hoja de plata había sido reemplazada por bandas de aluminio o cromo, que podían dividir una obra en cuadrantes, o en mitades rectangulares o triangulares. En sus tonos frecuentemente vibrantes y superficies brillantes y barnizadas, las obras hacían referencia a los materiales comunes en las industrias de fabricación de automóviles y aeroespacial, que dominaban su ciudad natal. Al mismo tiempo, sus colores simples, segmentos medidos y formas repetitivas evocaban una sensación de tranquilidad. “Kuwayama. . . logra arrancar de [sus] limitados medios una declaración sorprendentemente personal”, escribió Barbara Rose en una edición de 1967 de Artforum.

Durante las décadas siguientes, Kuwayama amplió su práctica para incluir sustratos como baquelita, mylar y titanio, que, aunque daban dureza y brillo a su trabajo, no disminuían su incipiente calidez. El artista continuó centrándose en el tono y la forma puros, excluyendo todas las demás preocupaciones, incluida la relativa a cualquier jerarquía percibida de color, que podría informar el orden de presentación de un conjunto determinado de obras. "Creo que los colores deberían tratarse como equivalentes entre sí", explicó. "El punto es que simplemente existen".

El trabajo de Kuwayama se encuentra en las colecciones de importantes instituciones internacionales, incluido el Museo de Arte Moderno de San Francisco; el Museo de Arte de Indianápolis; la Galería de Arte Albright-Knox, Buffalo; el Museo de Arte Moderno y el Museo Solmon R. Guggenheim, ambos en Nueva York; Stiftung für Konstructive und Konkrete Kunst, Zúrich; Galería Nacional, Berlín; Galería Estatal de Stuttgart; el Museo de Arte de la ciudad de Hiroshima; el Museo Nacional de Arte de Osaka; el Museo de Arte Contemporáneo del Siglo XXI, Kanazawa; el Museo de Arte de la ciudad de Nagoya; el Museo Hara de Arte Contemporáneo, el Museo de Arte Contemporáneo y el Museo Nacional de Arte Moderno, todos en Tokio; y el Museo de Arte Conmemorativo de Kawamura, Chiba.

La sensación de quietud y atemporalidad en su obra surgió de su creencia de que su obra debería representar un sentido de existencia. “La gente no vive sólo para el presente; viven sabiendo que hay un futuro por delante”, le dijo a Fujitaka. "Creo que el arte debería ser igual".