Ikebana 101: todo lo que necesitas para comprender (y practicar) el arte japonés de los arreglos florales

Por Elissa Suh

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Con una historia que abarca más de 600 años, el ikebana sigue siendo una tradición muy apreciada en Japón, transmitida de generación en generación como una forma de conectarse con la naturaleza y expresar la creatividad. Este tipo específico de arreglo floral ha evolucionado hasta convertirse en una forma de arte muy respetada que refleja el sentido estético y la filosofía japoneses.

En los últimos años ha surgido una nueva ola de ikebana moderno, que desafía las formas tradicionales y traspasa los límites de lo posible. Desde arreglos atrevidos y minimalistas hasta diseños vanguardistas, el ikebana (y el freakebana relacionado) está atrayendo a una nueva generación de entusiastas que se sienten atraídos por su espíritu innovador y su estilo contemporáneo.

El Ikebana, también conocido como kado, o el “camino de las flores”, es una forma de arte tradicional japonesa que implica la disposición de flores y otros materiales naturales de manera estilizada. Según Shozo Sato, artista y autor de El arte de arreglar flores, sus orígenes se remontan al siglo VI, cuando China introdujo el budismo en Japón. Los arreglos florales simples (llamados kuge) eran una forma de honrar a Buda, y esta práctica evolucionó con el tiempo hasta convertirse en el arte más formalizado del ikebana.

Si bien el ikebana tiene raíces budistas, su desarrollo en realidad se remonta al antiguo Japón, donde factores clave como el paisaje desempeñaron un papel en su creación. “Al principio, el ikebana no se trataba sólo de diseño. Es más bien una apreciación de la naturaleza”, dice Asae Takahashi, presidente de la Escuela Ohara del Capítulo de Ikebana de Nueva York. “Con el 70% de su país cubierto por montañas y hogar de muchos estanques, lagos y ríos, los japoneses no sólo sentían admiración por la naturaleza, sino también miedo a ella”. Se pensaba que las flores y los árboles en particular tenían un gran poder para atraer a los dioses, y la gente dejaba flores y ramas en sus casas para darles la bienvenida, en una costumbre conocida como yorishiro.

Después de la llegada del budismo, el ikebana se desarrolló más claramente en los siglos XV y XVI, junto con otras artes culturales japonesas, como el chado (ceremonia del té), el kodo (apreciación del incienso) y la danza dramática noh. Sin embargo, durante este período, para los sacerdotes y monjes budistas, el ikebana era una actividad dominada por los hombres. No fue hasta el siglo XVIII que la práctica se convirtió en una de las principales actividades de ocio, y con el tiempo se expandió a diferentes escuelas de ikebana.

La filosofía detrás del ikebana se basa en la estética japonesa, que enfatiza la simplicidad, la elegancia discreta y el respeto por la naturaleza. Ikebana no se trata simplemente de arreglar flores, sino de crear una relación armoniosa entre los materiales naturales utilizados en el arreglo y el espacio que los rodea. "Intentamos copiar y pegar el aspecto de la naturaleza en un contenedor", explica Asae.

En ikebana, el arreglo floral no se trata sólo de crear un efecto visual agradable, sino también de expresar una sensación de equilibrio, armonía y la belleza de la impermanencia. A diferencia de los arreglos florales occidentales, que a menudo enfatizan la simetría y el uso de una amplia variedad de flores y follaje, el ikebana tiende a ser más sobrio.

Centrándose en el uso de unos pocos elementos cuidadosamente elegidos, el ikebana está organizado de manera que resalta la belleza inherente y las cualidades naturales de la flor. "Utilizamos una cantidad mínima de ramas en comparación con los arreglos de estilo europeo, que utilizan como 6.200 rosas".

Los arreglos florales japoneses valoran la asimetría y el espacio negativo, lo que crea una sensación de movimiento y dinamismo dentro del arreglo. “En Ikebana una de las cosas más importantes es asegurarse de tener el espacio vacío en el arreglo. No nos gusta un enfoque geométrico”. Esto ayuda a dar a las flores una sensación de vida y vitalidad, y también crea una sensación de profundidad y espacio dentro del arreglo.

Hay millones de escuelas diferentes (ryuha) de ikebana en Japón, cada una con sus propias técnicas, estilos, filosofías y grandes maestros (o iemoto). Las escuelas más conocidas son Ikenobo, Ohara y Sogetsu, que han desempeñado un papel importante en la configuración de la historia y evolución del ikebana.

Históricamente, el ikebana utilizaba flora nativa japonesa, como flores de cerezo, crisantemos, pinos y bambú, que tenían diferentes significados y asociaciones. Pero el ikebana moderno incorpora muchas flores diferentes teniendo en cuenta la estacionalidad y el espacio.

"Si tienes un espacio muy estrecho y colocas una hortensia enorme, no funciona", añade Asae. Mientras que en el pasado los arreglos se realizaban en una alcoba (tokonoma) diseñada específicamente para su exhibición, hoy es posible que estés trabajando en la sala de estar o en un rincón de tu apartamento, y tus elecciones florales deberían seguir.

En cuanto a la estacionalidad, Asae sugiere elegir los materiales anticipando una temporada, como en la moda. "Durante el verano, las casas de moda ya presentan la temporada de otoño y el ikebana sigue un enfoque similar porque nos gustaría entretener a un invitado y mostrarlo en el futuro". En cuanto al color, Asae recomienda elegir tus favoritos.

En la Escuela Ohara de ikebana, los arreglos se componen de tres tipos principales de tallos, sujeto (shushi), objeto (kyuaku shi) y secundario (chu kanshi), que se colocan en cuencas bajas con un kenzan. Asae sugiere utilizar una ensaladera o pasta; un tazón de ramen no funcionaría debido a sus lados altos.

El tema es el tallo más alto, aproximadamente el doble del tamaño del recipiente (el diámetro y la altura del cuenco). Asae lo apoda rey, ya que controla y organiza todo el arreglo. "Es casi como un director de orquesta en orquestación".

El objeto entonces es la reina, que mide un tercio del tamaño del sujeto y se coloca en el centro del frente. "Una vez que hayas colocado el sujeto y el objeto, el 90% del trabajo estará hecho", dice Asae. Los tallos secundarios son rellenos y completan el arreglo. Deben estar en algún punto entre el sujeto y el objeto, o aproximadamente dos tercios de la longitud del shushi.

Por supuesto, siempre hay más que aprender, pero comprender estos principios básicos es un excelente primer paso hacia el mundo del arte floral y una manera increíble de conectarse más profundamente con la naturaleza mientras expresa su creatividad.